深度瞭望台2025年08月17日 19:48消息，揭秘剧场魅力，探寻话剧与银幕融合的新艺术浪潮，感受现场表演的震撼与创新。
19岁的王赫是一名来自河北的话剧爱好者，对田沁鑫导演的话剧《狂飙》情有独钟。在读完剧本并观看过2001年影映版后，她得知中国国家话剧院先锋智慧剧场正在展映《狂飙》高清修复影像版，便特意乘坐高铁从河北赶赴北京，只为亲身体验这一全新的观剧形式。“还挺好奇这个新的呈现形式，不知道会有什么不一样。”她坦言。
近期，中国国家话剧院正式启动“CNT现场”高清展映季，将《抗战中的文艺》《北京法源寺》《赵氏孤儿》等8部经典舞台作品，通过高清影像技术在包括北京、上海、太原、景德镇、乌鲁木齐在内的30家剧场同步展映。所谓“CNT现场”，即“中国国家话剧院现场”的缩写，旨在通过高度还原的现场感、沉浸式视听效果以及多视角切换技术，为观众提供一种接近真实剧场体验的“第二现场”观演方式。这一举措不仅拓展了戏剧的传播边界，也标志着中国舞台艺术在数字化转型道路上迈出了坚实一步。
在杭州运河大剧院，《青蛇》“CNT现场”版放映期间，现场气氛感人至深，不少观众被剧情深深打动，抽泣声此起彼伏。散场后，讨论声久久不息，更有观众主动向剧场工作人员询问：“《青蛇》‘CNT现场’版什么时候能复排？剧组有没有可能来杭州现场演出？”这种发自内心的追问，反映出观众对高质量舞台艺术的渴望，也揭示出“第二现场”正在悄然改变人们的观剧习惯和情感连接方式。
浙江演艺集团剧院经营管理有限公司副总经理蒋菡表示：“‘第二现场’对观众的吸引力真的很大。”她分享了一个令人动容的细节：一位阿姨在看完《赵氏孤儿》后，泪流满面地问女儿：“《青蛇》给我买好了吗？”这看似简单的对话，实则折射出一种新的文化消费心理——观众不再满足于偶然邂逅一场演出，而是开始主动追踪、收藏、复购经典剧目，形成持续性的艺术陪伴。
作为《狂飙》的编剧与导演，田沁鑫曾这样介绍这部作品：它讲述的是戏剧家田汉的一生——一个性格不羁、追求纯粹艺术理想的人，在爱情与激情中燃烧自我。《义勇军进行曲》的背后，是一位赤诚的爱国者；《天涯歌女》的旋律里，藏着一位浪漫的诗人。这部剧不仅是对田汉个人命运的回望，更是对中国现代戏剧精神的一次深情致敬。
科技正深刻重塑舞台艺术的表达方式。早在《狂飙》原始舞台演出时，该剧就大胆采用了“即时拍摄、瞬时剪辑、实时投屏”技术。演出过程中，8台摄像机同步捕捉演员表演，经后台即时处理后，画面被投射到舞台大屏上，形成“半电影化”的视觉效果。当金世佳饰演的田汉在舞台上激情创作时，镜头将他眼神中的炽热与灵魂的震颤无限放大——从发丝到衣摆，从眼睛到灵魂，每一个细节都被精准捕捉，直击人心。
如今，当这部原本依赖现场张力的作品被完整搬上银幕，观众的体验也随之发生变化。在国话先锋智慧剧场的展映现场，王赫在接受采访时表示：“这种形式挺好的，清晰度很高。如果有其他喜欢的剧目，我还会再去看。”而来自北京的游客田咏梅则感慨：“到了最后合唱国歌的情节，大家都在不自觉地鼓掌，非常鼓舞人心，看完后我还沉浸在这种氛围当中。”这说明，即便隔着屏幕，“CNT现场”依然能够传递出强烈的情感共鸣。
事实上，“把舞台搬上银幕”并非中国首创。2009年，英国国家剧院推出NTLive项目，将现场演出通过高清影像实时传输至全球各地影院，开启了舞台艺术传播的新纪元。此后，《战马》《弗兰肯斯坦》《哈姆雷特》等一系列经典剧目在全球范围内掀起观影热潮。中国近年来也在积极探索这一模式。2024年4月5日，中国国家话剧院在北京上演《苏堤春晓》的同时，上海、成都、南京、深圳、杭州、乌镇六地观众也通过高清影像同步观看了演出；同年7月4日，首届北京国际高清舞台艺术影像周正式启动，标志着“第二现场”在中国已进入规模化发展阶段。
那么，人们为何愿意走进影院观看“银幕上的话剧”？记者随机采访发现，答案多种多样：“是主演的影迷”“没有复演，没机会看现场”“好奇新形式”“票价便宜”……这些理由背后，其实隐藏着一个更深层的社会需求：优质文化资源的公平可及性。在深圳，福田梦工场星梦剧场因场地限制无法承接大型剧目现场演出，但借助“第二现场”技术，却成功引进了多部国家级精品剧目，常常一票难求。
深圳市福田区公共文化体育发展中心场馆营运部部长方东林指出：“在家门口就能观看优质剧目的吸引力，让更多人迈步走进剧院。很多人无法前往国家级大剧院看戏，一是交通成本高，二是票价昂贵。‘第二现场’恰恰弥补了这些短板。”他认为，从创作、演出到影像制作、市场推广，整个链条正在形成良性循环，既提升了剧目的传播力，也培育了更广泛的观众基础。
在杭州运河大剧院，《北京法源寺》和《青蛇》成为复购率最高的两部作品。蒋菡分析认为：“《青蛇》多年未复排，《北京法源寺》巡演稀少，加上本身艺术质量过硬，观众自然格外珍惜这次放映机会。”这也说明，经典剧目的影像化保存与传播，不仅是技术进步的体现，更是对文化遗产的一种有效守护。
中国艺术研究院话剧研究所名誉所长宋宝珍指出，“第二现场”具有三大优势：一是传播优势，打破时空限制，让偏远地区的观众也能“零距离”接触顶级演出；二是经济优势，票价通常仅为现场演出的1/5甚至1/10，极大降低了观剧门槛；三是清晰度优势，能真实还原演员的微表情、动作细节乃至服装纹理，有效解决剧场后排观众“看不清”的问题。这对普及戏剧教育、扩大受众群体具有重要意义。
而对于演出机构而言，“第二现场”同样带来可观的经济效益。通过跨区域重复播放，剧目可实现票房的二次甚至多次变现，延长艺术生命的周期。同时，这一模式也倒逼技术升级——全景声、AR、VR、多机位导播等技术的应用，正在推动舞台影像制作向更高标准迈进。可以说，艺术与科技的融合，正在催生一种全新的文化生产方式。
然而，“第二现场”并非完美无缺。中学生燕紫涵第一次看话剧就是《狂飙》“CNT现场”版，她认为剪辑带来的特写增强了感染力，字幕也帮助理解剧情，整体体验“挺沉浸”。但也有观众持不同看法。话剧爱好者苏曼婷表示，镜头特写反而削弱了她自主观察的自由，“我更希望导演和舞美设计引导我的视线，而不是靠剪辑强行突出某个细节”。她还提到，曾有一次看到摄影师在舞台上走动，不慎遮挡了镜头，影响了观影体验。
更为根本的问题在于，“第二现场”是否削弱了剧场的本质？宋宝珍指出，剧场不仅是物理空间，更是观演互动的心理场域和精神仪式空间。当舞台艺术变成屏幕影像，那种“共在”的场域感便随之消失。演员的能量、观众的呼吸、情绪的共振——这些无法被像素复制的瞬间，正是现场戏剧不可替代的核心价值。
此外，表演风格也面临挑战。舞台上需要适度夸张的肢体语言和声音表达，以覆盖整个剧场空间，但这种“剧场化”的表演一旦投射到屏幕上，可能显得过于用力甚至失真；反之，适合银幕的细腻自然表演，在剧场中又可能缺乏冲击力。如何平衡这两种审美体系，仍是创作者必须面对的难题。
互动性的减弱也不容忽视。正如狄德罗所言：“只有在剧场里，好人和坏人的眼泪才会流在一起。”现场演出中，观众之间的情绪相互感染，掌声、叹息、沉默都构成演出的一部分。而“第二现场”虽然保留了鼓掌、谢幕等仪式环节，但终究隔着一层屏幕，那种集体情感的涌动难以完全复现。
技术成本更是制约推广的关键因素。据宋宝珍介绍，一场大型“第二现场”直播所需导播团队、高清设备、传输系统等投入高达20至50万元，中小剧团难以承担。此外，过度追求视觉奇观也可能导致戏剧内涵被稀释，陷入“重技术轻内容”的误区。这些，都是行业发展过程中必须审慎应对的命题。
值得一提的是，此次展映的《狂飙》影像，正是田沁鑫在2017年首次尝试即时拍摄的作品，带有明显的实验性质。当时确实存在机位遮挡现场观众视线的问题。但经过八年持续探索，特别是在《故事里的中国》《典籍里的中国》等综艺舞台融合项目中的实践，中国国家话剧院已在多机位调度、精准走位、实时导播等方面积累了丰富经验。2021年的《直播开国大典》和2024年的《受到召唤·敦煌》已基本解决拍摄干扰问题，实现了现场观众与影像观众的双重体验优化。
田沁鑫曾明确表示，“第二现场”并非取代剧场，而是拓展戏剧的边界。它让更多年轻人、非核心观众有机会接触话剧，进而激发他们走进剧场的兴趣。“第一现场和第二现场之间不存在冲突”，她强调。事实也证明，许多观众在看过“CNT现场”后，反而更加期待现场演出——正如杭州观众追问“剧组能不能来现场演出”所体现的，技术最终服务于艺术，而艺术的本质，始终是人与人之间的精神共振。
当《狂飙》中田汉的呐喊在同一时刻响彻大江南北的剧场，我们看到的不仅是一场技术的胜利，更是一种文化可能性的打开。舞台艺术的能量，正突破物理空间的局限，抵达更远的地方。但无论形式如何演变，戏剧最动人的力量，永远来自台上与台下那一瞬间的心灵共鸣。这才是“第二现场”真正需要守护的初心。
